Entrevistamos a Jorge Iglesis socio fundador de la oficina Iglesis y Prat Arquitectos, que ha desarrollado grandes obras y que han contribuido a una sólida y renovada imagen – país. Piensa y siente una obra desde una perspectiva espacial, donde convergen inspiración personal y una particular sensibilidad del compromiso social como variables compositivas características. Su oficina ha ganado un importante número de concursos públicos, reflejados en obras que hoy son verdaderos íconos de las ciudades donde se emplazan.

 ¿Por qué la Arquitectura Pública es el tema de aplicación sostenido en tu trabajo? 

Por dos razones, primero porque nos apasiona la realización de la Arquitectura Pública, que marca el camino y es el reflejo de lo que un país piensa sobre sí mismo. En eso está la arquitectura pública, puede haber arquitectura comercial de muy buen nivel pero no es lo mismo, es más bien una cosa de tendencias y un asunto de mercado, pero en la cosa pública esta la idiosincrasia y el sentido profundo del significado del país como proyecto de futuro y la segunda razón poderosa es porque no tenemos clientes privados, nos gustaría hacer algunos edificios para “la venta” pero somos ya una oficina con etiqueta de “lo público”. 

¿Cómo se representa el tema de la Arquitectura Pública y de que manera contribuye según tu opinión al desarrollo de una imagen-país? 

En mi opinión la construcción de una cultura propia y contemporánea se hace a través de la arquitectura y del modo como hacemos nuestras ciudades, de la vida en común y de la ciudadanía en definitiva. Son espacios públicos los que albergan nuestra manera de interpretar y transformar el entorno. Son símbolos de nacionalidad que conviven con la literatura y las artes, son imágenes de una comunidad en sus paisajes y tiempos. 

La Arquitectura Pública da cuenta de la representación de lo público, es propiedad de todos y está abierta a la comunidad. Es también un proyecto político, en términos de acuerdo para el gobierno de la ciudad y la conformación de los lugares para la ciudadanía. 

Dentro de la globalización cultural que padecemos debemos considerar como ventajoso cualquier perfil que nos identifique y que nos permita participar por un camino propio y reconocible, desarrollarlo y mantenerlo, es en alguna manera y medida, crear desde nuestra propia realidad aportar y no solo recibir. 

¿Cómo consideras el desarrollo e identidad para la arquitectura actual en nuestro país, desde el punto de vista de la contribución a esa idiosincrasia, a esa identidad? 

A diferencia por ejemplo de la arquitectura desarrollada en la época de la dictadura militar, que no marcó ningún camino, actualmente se ha contribuido enormemente al desarrollo de una Arquitectura Pública de buen nivel desde dos puntos de vista: primero por el “espesor conceptual de la propuesta”, por ejemplo, desde las primeras bienales de arquitectura a lo que se muestra ahora hay una propuesta conceptual más profunda, una arquitectura que es contemporánea y a la vez propia y que tiene identidad regional. Ahora se podrá o no estar de acuerdo con algunas obras, pero son más comprometidas, hay más calidad de diseño, no cabe duda la arquitectura chilena está pasando por un muy buen momento. 

Por otro lado, está el tema del manejo constructivo técnico-profesional de las obras si comparas las cosas que se construían en los ochenta a como se construye hoy día, como las oficinas estamos detallando los proyectos, la diferencia es notable y tiene que ver con el desarrollo tecnológico y la preocupación por el detalle. Las estaciones de Metro que se construían en los setenta y ochenta eran temas de ingeniería, la baranda era por ejemplo un tubo soldado a la pared. Hoy se diseña una baranda con montantes de aluminio, herrajes de acero fijan el cristal y el pasamanos es ergonométricamente estudiado. Los arquitectos estamos en este tema. 

Los edificios que pueden ser de un muy simple partido volumétrico espacial, como la torre de la CCU donde la calidad estuvo en cómo se diseñó y como se hizo. 

¿Cómo se mantienen los arquitectos actualizados a la luz de los continuos cambios?

A través de los concursos fundamentalmente, el concurso es una especie de seminario de profundización en distintos temas, estamos metidos en los hospitales, en las municipalidades, en las estaciones del metro, en los estadios y el concurso obliga estar estudiando y investigando. Como Iglesis Prat Arquitectos tenemos una fortaleza en el manejo de los concursos, sabemos cómo hacerlos, como organizarnos y nos va relativamente bien pero la verdad es que perdemos mucho más de lo que ganamos, aunque la imagen es que nuestra oficina gana muchos concursos. Es importante también saber perder y aprender de ello. 

¿Cómo se plantean frente a los concursos, como se ganan estos concursos? 

En nuestro medio existen profesionales con la misma formación, oficinas con la misma dedicación en tiempo y trabajo, los mismos equipos, los mismos programas, pero creo que la clave está en ver más lejos, en descubrir lo que los demás no vieron y dejaron pasar. Cuando el arquitecto Von Spreckelsen gana el concurso del Gran Arco de la Defensa en Paris, recuerdo haber visto un libro titulado “los 478 proyectos para el arco de la defensa”, entre tantos competidores explica su proyecto en forma bastante simple: Aunque el concurso era para rematar el gran eje urbano, explica que no había que cerrarlo sino celebrarlo, dejar que pasara y que otros sigan celebrándolo, Entonces idea el gran arco allá. Este es un caso típico donde se vio más allá. Cuando ves esos grandes concursos, bien jurados, con buenos proyectos dices, “esto es lo que había que hacer”. Esto era! y para ver más lejos es necesario, mayor aplicación y sensibilidad en el análisis, una reflexión profunda sobre el programa, discusión, intercambio de ideas, el estudio de alternativas, pero el plan es ver más lejos para dar en el blanco. 

¿Te inspiras mucho en el orden geométrico para proyectar tus edificios? 

Pienso que la geometría es el secreto de la arquitectura tienes que conocerla, manejarla, para después poder reírse de ella. Hay arquitectos que se sientan en la geometría porque ya la entienden y manejan. Es como Les Luthiers que tocan música clásica magníficamente por eso tocan en un calefont o en un WC sin problemas, o hay gente que dice, estos monos de Picasso los habría hecho mi hija de seis años, pero el maestro los hizo porque viene de vuelta de todo. 

La geometría yo la entiendo como al servicio del espacio y esto ha quedado un tanto olvidado, sobre todo por el tema del computador, porque dibuja tan rápidamente y todo queda terminado. La concepción arquitectónica a través de la generación e idealización del espacio resulta fundamental. La primera idea que uno tiene debe tener de un edifico es del espacio del edificio, y en ese espacio está el sentido profundo de la obra, más que en la forma y el material. La forma, la geometría y la materialidad son llamadas después para formar ese espacio. Los arquitectos somos de los muy pocos profesionales sino los únicos que trabajamos con el espacio como materia prima. Y la idea es hacer buenos espacios que resulten de ahí buenas formas, buenas materialidades, no me cabe duda que en la casa de la cascada Lloyd Wright tenía la idea de cómo tenían que ser esos lugares, esos espacios antes que ninguna forma. 

Se dice reinterpretar la tipología arquitectónica de un sector, como por ejemplo en los proyectos de la Pérgola de las Flores y Tirso de Molina ¿cómo conversa esa reminiscencia que hay de un barrio típico como es Recoleta, con la presencia nueva de un edificio contemporáneo? 

Efectivamente se trata de emplazar felizmente la obra en su entorno, o sea, poder entender hasta que punto se puede recoger las tipologías del lugar y hasta que punto debes realizar nuevas propuestas, porque la ciudad es algo vivo y cambiante, porque sino estaríamos todos viviendo todavía en casas de adobe con techos de tejas. En ese sentido ese sector, proponía fachadas continuas, uso de albañilería, horizontalidad, ochavos en las esquinas, celebran mucho la esquina, que es un lugar muy significativo, además desde el punto de vista del encuentro ciudadano las esquinas son muy pivilegiadas. Se trabajo especialmente en el Tirso de Molina el tema de los traspasos, esa es una zona que se circula a través del mercado, por el puente de los carros hacia la vega, hacia el mercado central, por lo tanto es completamente transparente y traspasable, es muy dinámico muy fluido. Otra tarea que tuvimos ahí y que resultó un trabajo arduo e interesante, fue el dialogo permanente con los locatarios y usuarios. 

¿Entonces pensar que los arquitectos a pesar de respetar el entorno, tienden a imponer su estilo y sus soluciones, nos es tan así? 

No es así, y menos en el caso de estos dos proyectos donde el usuario era tan pregnante, los locatarios de la pérgola o del mercado; gente que en los últimos sesenta años está vendiendo en el lugar, que entiende cómo hacerlo, cómo exponer, sabe lo que quiere, por ejemplo las floristas manejan el tema de la sombra, de la ventilación, del aire fresco, donde preparan sus arreglos, por donde llega el material, como escurre el agua. En el caso del mercado por analizar donde pasa la gente, como el locatario quiere que circule el público, desviarlo, atraerlo, detenerlo, la idea que la casera se quede ahí, en fin, consultamos para que los locatarios quedaran más cómodos y conformes, había que escucharlos. Este fue un concurso de ideas y metodología que convocó el MOP y que significaba para llegar a una buena solución definir una manera de acercarse a la propuesta y un camino para desarrollar la mejor solución, desarrollamos ambas propuesta en base a estas consideraciones. 

En torno al sector se han propuesto varios proyectos a lo largo del tiempo. ¿Cómo se produce esta definición definitiva del proyecto que afecta un área tan importante y tradicional de nuestra capital? 

Este es un concurso que llama la Dirección de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas, nosotros participamos y tuvimos la suerte que ganamos. Como arquitectos estamos un poco condicionados por las propuestas y llamados del Ministerio. Hay convocatorias y propuestas mejores (concursos de anteproyectos) y otros peores (concursos de honorarios). Sobre este punto específico y en mi opinión la institución del concurso de Arquitectura, permite la solución más adecuada para el problema planteado y la obtención de un producto de calidad. Los concursos tienen la ventaja enorme sobre la simple elección; el concurso de alguna manera favorece a todos, tanto arquitectos como mandante y usuario, ya que no se opta a priori sobre un proyecto, sino que se elige y al elegir se toma parte y partido en la elección. En general no se elige solamente un proyecto eficaz, racional bien solucionado; se elige una  “arquitectura” es decir una propuesta referida no solo al tema específico sino a una comprensión o entendimiento dela realidad como cosa global. 

¿En tu opinión como funciona el tema de los concursos en Chile? 

La inyección de poder que daría a la arquitectura de nuestro país un acuerdo entre el gobierno, Ministerio de Obras Públicas (o Vivienda) para decidir de manera más integral y profesional las obras públicas por la vía de los  concursos sería notable y en beneficio de todos. Debemos encarar este proyecto y nuestras asociaciones profesionales plantean con decisión esta iniciativa a las autoridades. 

Las condiciones que hemos demandado hace años a las autoridades que las convocatorias sean a concursos de arquitectura anónimos donde se defina por la calidad del proyecto. 

Sin que sea determinante que oficina es, cual es su currículo y aún menos que no sea un factor de elección los honorarios del proyecto. Hoy muchos de los concursos públicos son con honorarios los que resultan determinantes para la adjudicación de los encargos. 

Otra cosa que hemos solicitado reiteradamente es que las bases y condiciones fijadas por el concurso sean razonables. Esto es plazos acorde a la magnitud y complejidad del desafío. Condiciones de entrega más cerca del “concurso de ideas” que el “anteproyecto avanzado”. Hoy las condiciones de entrega demandan mucho trabajo y costosas presentaciones absolutamente innecesarias para que un jurado escoja el mejor proyecto. Los honorarios estimados por el mandante y que exigen todos los proyectos y trabajos imaginables son cada día más bajos y lejos de la realidad del mercado. 

Por otra parte solicitamos que los jurados que participan en la elección sean idóneos, conocidos y respetados por los concursantes. Es usual que los jurados sean desconocidos como también sus sistemas de evaluación. Aquí debería participar con decisión y fortaleza el Colegio de Arquitectos pero no nos escuchan como quisiéramos. 

El ejemplo español en este sentido es notable, han desarrollado una magnífica arquitectura sobre la base de acuerdos con el Colegio de Arquitectos local, donde respetan la labor del arquitecto de manera integral y el resultado está a la vista, es la mejor Arquitectura Pública que se ha desarrollado en Europa en los últimos 20 años.

Hoy que nos preparamos para la celebración del Bicentenario de la República es oportuno volver a insistir que los grandes proyectos que están por venir se organicen, se convoquen y se juren escuchando a los arquitectos como lo hemos pedido los últimos 20 años desde que recuperamos la democracia.

Los recientemente construidos estadios en Chillán y La Florida son el resultado de una experiencia y labor conjunta entre el área pública y privada, donde la creatividad y el trabajo en equipo lograron sortear la presión por los tiempos de construcción, los estándares de calidad FIFA y la fidelidad en su diseño.
Javier Ávila Burrows, Arquitecto Asociado, Judson & Olivos Arquitectos 

Los estadios de fútbol fueron un gran desafió en términos profesionales ya que existían muchas condicionantes que en un comienzo, hacían suponer que los proyectos tendrían un final incierto. El presupuesto inicial estimado dejaba a los estadios por debajo de los estándares mínimos que establecía FIFA, los plazos que recomendaban empresas especializas que visitaron Chile duplicaba el tiempo del cual se disponía. La legislación vigente, específicamente la OGUC no contemplaba criterios específicos para este tipo de equipamientos, por último la inexistencia de proyectos recientes de similares características en el país, obligaba a prescindir de la experiencia que se obtiene de proyectos ya construidos. 

Afortunadamente todas estas variables fueron subsanadas en el corto plazo, gracias a una labor conjunta de todos aquellos profesionales tanto del área pública como privada que lograron adaptar sus sistemas de funcionamiento y sus protocolos de trabajo para lograr el objetivo: obras de calidad en el corto plazo. 

Hoy no solo hay equipamientos deportivos de primer nivel en el país, sino además, una importante experiencia acumulada que permitirá minimizar la incertidumbre y acotar los riesgos al momento de emprender obras con inversión pública de gran interés social. 

Enfrentamos estos encargos con la convicción de que los estadios de fútbol debían ser muy buenos recintos deportivos y además excelentes espacios públicos multipropósito, considerando que tanto la ciudad de Chillán como la comuna de La Florida tienen un importante déficit de m2 en espacios públicos. 

Desarrollamos más que un proyecto de estadio una “tipología de estadio”, es decir, un prototipo que cumpliera con todos los requisitos esenciales de un campo de fútbol FIFA y que además tuviera la capacidad de acoger actividades masivas de carácter social y cultural. 

Por esta condición polivalente del estadio, los criterios de diseño se orientaron hacia a la funcionalidad, flexibilidad y seguridad de los espacios transformándose éstos, en el eje central del proyecto, logrando materializarse a cabalidad durante la construcción. Esto fue posible porque estos criterios claramente favorecieron el racionamiento del tiempo, la adecuada distribución los recursos involucrados y la prefabricación de los elementos constructivos.  

Las variables de costo, tiempo y calidad, fueron condiciones inevitables en este proyecto. Gran parte del éxito en la gestión del diseño, es decir, en lograr construir lo que diseñamos, se debió a que el equipo profesional a cargo de los proyectos encontró la ecuación que permitió equilibrar estas variables incorporando innovación en aspectos tecnológicos, funcionales y estéticos. 

Se utilizaron materias primas de alto costo de manera eficiente, para no perjudicar otras partidas del proyecto; es el caso de las tenso membranas de los techos y las fachadas ventiladas, las cuales se mantuvieron en el proyecto gracias a un diseño racional y modulado que evitó pérdidas excesivas de tiempo y recursos. 

Por otra parte , la manera de estructurar el programa a través de la zonificación de los servicios, la distribución de los flujos de circulación, la localización de puntos de acceso y la salida del recinto contribuyeron a la velocidad de avance y a la posibilidad de abrir frentes paralelos de construcción.

La empresa constructora (BCF), en este tema, realizó un trabajo de coordinación y producción que fue fundamental en el resultado. 

Respecto a la calidad de la construcción, con estos estadios se establecerá un precedente que servirá para los proyectos futuros, ya que se incorporaron nuevos materiales, nuevas soluciones constructivas y nuevas técnicas de aplicación de muchos productos que la industria nacional e internacional ha desarrollado para este tipo de proyectos.

Premiado por la fundación Holcim Awards de construcción sustentable “acknowledgement prize 2008 LatinAmérica”, este proyecto consta de una intervención arquitectónica de 81 prototipos de vivienda social en la Zona Típica de la Localidad de San Lorenzo de Tarapacá en el norte de Chile, reconstruida después del terremoto del año 2005, que al combinarse con lo existente reconstituye la imagen patrimonial urbana-rural del asentamiento.
René Mancilla Campuzano, Arquitecto

El proyecto de vivienda social responde a la escala original del asentamiento, las condiciones medio ambientales de una zona árida y los sistemas constructivos tradicionales. A partir desde una comprensión y consenso, producto de un proceso de participación ciudadana con las 81 familias afectadas y subsidiadas por el Gobierno de Chile. 

Dos caminos se presentan para abordar el diseño arquitectónico, uno que hace un ejercicio de abstracción, por lo tanto una reducción de la vida, a la que se le coloca un espacio (acción ontológica), y el otro, el que hemos elegido, una apertura de la vida, en donde el espacio surge desde ella misma, (acción analéctica, Dussel, 1994). El primero sitúa a la arquitectura como un objeto, el segundo la relacional “en” (Heidegger), el habitar. 

Es una propuesta de diseño arquitectónico de vivienda social, situación enmarcada en la problemática de los más desposeídos, que se suma en este caso a tres hechos fundamentales, al terremoto del 13 de Junio de 2005, los requerimientos de una Zona Típica en donde se emplazará el proyecto y a los mínimos recursos disponibles. El problema se contextualiza desde los siguientes requerimientos: la necesidad de una solución habitacional en un contexto de catástrofe, la urgencia política de SERVIU de dar respuesta inmediata, la exigencia del Consejo de Monumentos Nacionales, a la cual el proyecto debería responder, los mínimos recursos disponibles. El problema arquitectónico se presenta complejo y al mismo tiempo normal en millones de latinoamericanos que viven en la intemperie de los cánones de la arquitectura denominada internacional. 

El sismo de características de aceleración vertical solicita las edificaciones tradicionales y no tradicionales de las localidades de la Región de Tarapacá, produciendo el colapso de un considerable porcentaje de éstas. Las características inesperadas del movimiento desplomaron construcciones de mampostería en adobe, piedra, argamasa de piedra y barro, mampostería en bloque de cemento.  

Las construcciones sufrieron daños debido al poco mantenimiento de sus estructuras, a la fatiga de los materiales debido a su antigüedad, estructura mixta constituida por materiales de diferentes rigideces las cuales por  competencia colapsaba la más frágil ante la más rígida. Otro factor que influyo en el colapso de estructuras, fue la perdida de la mano de obra local, y del conocimiento en la preparación de los materiales especialmente los sistemas constructivos en tierra. 

También se observo construcciones cuyos diseños no respondían a la naturaleza de sus materiales, por ejemplo mamposterías en adobe tratada como mampostería en bloque, creando vanos que no eran posibles estructuralmente en una mampostería en adobe. Estructuras fundadas en suelos de mala calidad o densidades no adecuadas para resistir el peso de estructuras de piedra. Se observo el colapso de estructuras de viviendas asiladas, conjunto de viviendas, edificios monumentales como iglesias, y localidades que colapsaron completamente. 

Esta situación sorprendió a la sociedad, a los arquitectos, ingenieros constructores, al no tener respuestas inmediatas al evidente colapso, tecnologías ni técnicas adecuadas para responder inmediatamente al escenario resultante del sismo. Un diagnostico general acusa el mal comportamiento de las construcciones debido a su fatiga por la antigüedad, la mezcla de materiales de rigideces de distinta naturaleza, a la incorrecta edificación, la perdida de mano de obra experimentada en los sistemas tradicionales en tierra y piedra, al nulo mantenimiento de las construcciones , a la mala calidad de los suelos de fundación. Se observo que las estructuras que mejor se comportaron al sismo fueron aquellas más livianas y constituidas por estructuras más flexibles a las solicitaciones en comparación con las más rígidas. 

Qué hacer para re-construir desde una lógica estética-ética, ante el rechazo de las técnicas constructivas tradicionales, con un mínimo presupuesto, ante la rigidez del aparato gubernamental, ante la urgencia de la comunidad, ante los requerimientos del Consejo de Monumento Nacionales y finalmente ante el criterio mercantilista de la empresa privada. El logro del siguiente proyecto no se entiende si los problemas nombrados no se hubiesen superado y replanteados desde la voluntad de cada uno de los actores mencionados. 

El problema arquitectónico ya no es solo espacial, sino socio/espacial, o mayor precisión etno-arquitectónico. El asunto superando, la entelequia arquitectónica tradicional, es proyectado más allá de lo poético-espacial, situándolo en lo poético (Dussel), es decir, productivo-espacial. La coyuntura nos presenta una oferta de materiales industrializados, los cuales, cuentan con las certificaciones, y las cantidades para poder resolver el problema según los criterios de las empresas constructoras involucradas. 

Desde lo arquitectónico: qué espacialidad será análoga al modo de vida del habitante en San Lorenzo de Tarapacá, cuál será la eficiencia del sistema a crear que permita las flexibilidades adecuadas, sin perder el sentido formal original, asunto relevante, ya que el modelo original no puede quedar absorbido por las ampliaciones futuras, hasta el punto de desparecer, es decir, volver al punto inicial, significa esto que el problema no quedaría resuelto. Cuáles serán las fuentes de inspiración, para dar origen a una fisonomía adecuada, al ámbito medioambiental existente.

Cómo equilibrar las demandas del aparato gubernamental, SERVIU, Consejo de Monumentos Nacionales, con las expectativas de la comunidad y de la empresa privada. 

La operación fue interrelacionar, una serie de elementos en principio diferentes, que se expresaran como una unidad coherente e indivisible al relacionarse unos con otros. Así los elementos constructivos que edifican el prototipo, y su inserción en el asentamiento, buscan esta arquitectura relacional. El prototipo desde su arquitectura como sistema espacial, busca en su inserción en distintas situaciones en el asentamiento, re-construir la imagen “patrimonial” de la localidad. 

La clave de comprender un origen poético, cuenta en su proceso de gestación y construcción, la participación de la comunidad, en un trabajo con todos sus líderes, un estudio y definición de la forma como del emplazamiento “caso a caso”, atendiendo que cada familia es una unidad única e irrepetible. Práctica que logro la aceptación del modelo, y flexibilidad en todo el proceso ante las coyunturas de la catástrofe, políticas como constructivas.

El equipo de arquitectos B4FS, de Buenos Aires, Argentina, dirigido por los arquitectos Enrique Bares, Federico Bares, Nicolás Bares, Daniel Becker, Claudio Ferrari y Florencia Schnack, asociado con el arquitecto Alejandro Ríos, obtuvo el tercer premio en el Concurso Internacional Thyssen Krupp Elevator 2009, Dubai, Emiratos Árabes Unidos. 4.651 arquitectos integrados en 2.967 equipos de 108 países se acreditaron para competir, lo que constituye una participación récord en más de 10 años de existencia del premio. 

Los territorios de los Emiratos Árabes tienen como verdadero patrimonio “el desierto”, con toda su dimensión simbólica, que ha abrazado la religión, la literatura, las artes, fuertemente caracterizada por la cultura nómade, que ha dado lugar a la tradición del movimiento, desplazándose por vastos territorios en busca del comercio. Uno de los rasgos salientes que inspiró el proyecto tiene su raíz en esta visión del nomadismo, donde los objetos transportables para armar las carpas en el desierto son de estructura liviana y efímera. Así propusimos una estructura evanescente, ingrávida, como una representación del fenómeno óptico lumínico del espejismo en el desierto.

En la geografía de arena dominada por un gigantesco artificio urbano, el icono propuesto se refleja y se disuelve como un brillo en el desierto, refiriendo a una preexistencia inmanente de las arenas calientes debajo y alrededor de la nueva ciudad. 

El hiper desarrollo y la formulación completa de un nuevo territorio está definida por el avance de una megalópolis costera que avanza hacia el interior del desierto, con las nuevas construcciones que tienen claros referentes de la modernidad occidental se configura la imagen de la ciudad nueva. En este contexto creemos que el icono para Dubai demanda signos del pasado que refieran a la preexistencia del “desierto”, más que la posibilidad de vislumbrar el futuro que ya tiene en su devenir veloz un repertorio prolífico de objetos y temas fundamentalmente ligados al turismo y el ocio. 

Este encuentro de culturas entre el desierto que se retira y la nueva ciudad que avanza deja en el objeto las tensiones de estos cruces, el de la tecnología occidental por un lado y lo simbólico del espejismo por otro. La nueva ciudad además no plantea un tejido cohesionado sino que se resuelve por fragmentos autónomos. El icono-edificio planteado esta en ese contexto enclavado en un parque próximo al eje central de la ciudad, el parque actúa como un oasis y el nuevo edificio como un espejismo que surge del oasis. 

Nuestra idea fue crear un objeto que se desmaterialice en reflejos frente a un repertorio de objetos presenciales inmóviles. Un objeto que pueda perpetuarse y perdurar portando significados eternos “El sol y la arena del desierto”.

Creamos en el objeto un capítulo de la historia del desierto con luz, música y reflejos del sol. Se definió también que no era solo la altura lo que podría definir un nuevo icono para Dubai, ya que de hecho los edificios existentes y el proyecto del Burj Dubai con más de 800 mts de altura sobrepasan ampliamente la altura de nuestro proyecto, por consiguiente entendimos que no se podía competir produciendo un nuevo objeto, sino que era necesario desmaterializarlo, disolviendo los atributos formales sin perder carácter monumental y producir un fenómeno, un efecto, más que un objeto que se recorte en el cielo. 

LAS 10 PREMISAS BASICAS DEL EDIFICIO-ICONO: 

Un instrumento musical: los cables tensores de la estructura tienen incorporado un sistema de micrófonos que hacen del edificio “una gran arpa”, formada por un sistema de cuerdas capaz de medir la “respiración del edificio”.

Una escultura de luz y movimiento: la estructura incorpora un sistema de 3D Led que permite programar todo tipo de imágenes tridimensionales. 

El triángulo: la arquitectura islámica tiene una geometría muy precisa basada en las relaciones numéricas en tres dimensiones a partir de la línea en el espacio, donde el triangulo es el origen de todas las figuras. 

Una alfombra voladora: la confitería mirador es un triangulo suspendido a 170 mts de altura en el cielo de Dubai. 

Un recorrido en el espacio: desde la plaza patio de acceso integrado al parque se realiza un recorrido vertical hasta la terraza mirador, ambos espacios de llegada y de partida están tratados como lugares de sombra, frescos y  confortables, refiriendo a la acción de pasar de un lugar a otro, como un viaje a través de una lluvia de luz. 

Celebración del movimiento: las tres columnas huecas contienen los núcleos verticales con elevadores transparentes expresando la dimensión dinámica del objeto, haciendo visible el movimiento en el espacio. 

Disolución de la forma: el edificio está concebido como un no-objeto, se desmaterializa en el espacio convirtiéndose en luz y reflejos, volviéndose etéreo e intangible. La altura no es suficiente para definir la pre-ganancia del objeto. 

Evanescencia: el objeto aparece y desaparece, o cambia de forma según el punto de observación, desde lejos se ve el objeto aparece y desaparece,  como un reflejo o un destello de luces y dentro del objeto como una lluvia de haces lumínicos.  

Ingravidez: los elementos portantes de la estructura (columnas metálicas huecas) y tensores de acero, se disuelven materialmente en el espacio definido por la malla de líneas verticales iluminadas. 

Encuentro de culturas: el icono está cargado de signos de la cultura árabe, resueltos con tecnología de occidente.  

Estructura: la estructura objeto se compone de tres grandes columnas de 170 mts de altura que sostienen un triángulo de hormigón armado de 70 mts de lado. El basamento es un edificio triangular de Hormigón armado semi-enterrado en el parque existente. 

Dada la altura del proyecto y la gran masa que se ha de sostenerse en el coronamiento de la estructura definida por el volumen triangular de la terraza mirador, es fundamental resolver para un correcto funcionamiento las acciones horizontales producidas por la acción sísmica y la acción del viento. El funcionamiento de la estructura antisísmica está basado en el trazado simétrico de las tres grandes columnas cilíndricas, en este caso los tres ejes simétricos del triangulo formado por las columnas permite crear una estructura ISO resistente para cualquier dirección del sismo.

Las columnas cilíndricas huecas se construyen en acero con las características de un tubo, en su interior se alojan los sistemas de movimiento vertical de elevadores para personas y montacargas, escaleras de emergencia e  instalaciones. La terraza mirador es una estructura de hormigón armado postensada para darle la mayor rigidez posible entre columnas, el postensado permite alivianar la estructura para reducir además los efectos sísmicos que son proporcionales a las cargas verticales. La cubierta de la terraza es una estructura metálica liviana compuesta por vigas entrecruzadas que forman un sistema de brisoleil.  Las fundaciones del edificio son pilotes de gran diámetro de hormigón armado. 

Iluminación: la incorporación de luz a la estructura de tensores permite la creación de una malla de puntos lumínicos formados por una unidad de sistema RGB que permite infinitos cambios de color, formas y texturas virtuales comandadas por un sistema de control mixto (manual programado y midi), el sistema interactúa con los programas de sonido que se generan en los micrófonos incorporados a los cables haciendo visibles composiciones musicales y visuales. Compuesto por unidades RGB de Leds de potencia ubicados regularmente de acuerdo a la mayor o menor definición que se desee lograr. Incorpora además un sistema de control. Los cables de alimentación y las líneas de comando se materializaran entre los tensores y su envolvente donde también se colocan los drivers por cada unidad o grupo de unidades. 

Acústica: el edificio puede considerarse como una gran arpa cuyos tensores actúan como cuerdas. Se colocará en cada tensor un micrófono de contacto que permita censar acústicamente los sonidos provocados por el viento o los ajustes estructurales generados por variación térmica (se podrá oír la respiración de la mega estructura). El edificio se diseñará en paralelo con un gran sistema electro-acústico capaz de sonorizar con gran calidad de audio tanto sus dependencias interiores como el entorno circundante. Los sonidos tomados por los micrófonos de contacto podrán filtrarse y amplificarse mediante el uso de programas de procesamiento digital de señal (DSP) y producir, a partir de dichas señales, una variedad de sonidos y efectos virtualmente infinitos.

Mauricio Rocha busca en sus proyectos una arquitectura transparente y a escala humana. Busca una honestidad estructural basada en el orden de los materiales para conformar el esqueleto y la piel de sus edificios. La principal innovación y aporte de esta obra desarrollada por su taller de arquitectura en México, la Escuela de Artes Plásticas de Oaxaca, es la utilización de la tierra de la zona para la edificación de muros hechos a base de tierra compactada y una nueva forma de interpretar sus usos. 

La Escuela de Artes Plásticas de Oaxaxa se gesta a partir de la solicitud del Maestro Francisco Toledo para realizar un nuevo edificio que cumpla con los requerimientos para una escuela de esta tipología. En colaboración con la Universidad Autónoma Benito Juárez, ubicación para este futuro edificio, realizamos la elección de un terreno dentro del campus. 

Este terreno fue elegido entre otros por ubicarse en la esquina de acceso desde el centro de la ciudad hacia la ciudad universitaria, era importante su ubicación pública para abrirse a la ciudad sin olvidar la necesidad de lograr un espacio de intromisión con la suficiente fuerza para concentrar la energía de los creadores de arte. En el terreno se encontraba un juego de pelota ocupado los fines de semana que tendríamos que incorporar a la escuela. Por último, el edificio contiguo, un edificio existente, antes biblioteca se convertiría en el nuevo Centro Cultural de la Universidad; todas estas razones nos llevaron a la selección de este terreno con una dimensión total de 12,755 m2. 

Fueron dos los puntos importantes para la definición del partido conceptual del proyecto, el primero, la inexistencia de un plan maestro como tal que lograra una integración entre todos los edificios así como una falta clara de un lenguaje arquitectónico que permitiera un diálogo correcto entre uno y otro; razonamiento que nos llevo a diseñar un edificio que en su exterior tuviera más el carácter de un gran jardín antes que él de un edificio. En segundo lugar la realización en su momento de una serie de obras en el campus, una de ellas, una planta de tratamiento que generó enormes cantidades de tierra, así decidimos la creación de un talud que lograría por un lado la imagen a exterior de un gran jardín y al interior el aislamiento requerido para las instalaciones de una escuela de artes. 

La escuela fue concebida con dos tipologías de edificios, los primeros serían los edificios de piedra de tres metros de altura que generan la contención contra los taludes, así como una serie de terrazas habitables a partir de su proximidad con los mismos. Administración, Mediateca, Tesis orientados hacia oriente y sur viendo a sus propios patios; mientras las Aulas Teóricas ven al poniente a través de una ventana alta que las obscurece, hacia el juego de pelota y la fronda de una importante línea de árboles existentes. 

La segunda tipología es la de los edificios exentos a los taludes, todos ellos orientados al norte, a excepción de la galería y el aula magna (nortesur), construidos en tierra compactada (mezcla de tierra con 15% de cemento), procedimiento que no solo nos ayudaba a la plástica y carácter del edificio (un sistema orgánico y lleno de accidentes que alimenta la riqueza de cada muro) que queríamos lograr sino que además resolvía exitosamente los tiempos requeridos de obra así como una excelente climatización natural. El espesor de estos muros (de 60 a 70 cms) logra crear un microclima óptimo para las condiciones extremas de la ciudad de Oaxaca así como un excelente control acústico. 

Además del sistema constructivo, los talleres se diseñaron con accesos esbeltos en sus costados y enormes ventanales al norte que permiten el flujo cruzado del viento, dotándolos de la mejor calidad lumínica y extendiendo el espacio interior a través de un pórtico a un espacio de iguales proporciones pero abierto como un espacio de trabajo al aire libre. Estos patios fueron una premisa importante para conformar una planta ajedrezada donde el vibrado de masa-vacío en los distintos andadores se convirtió en la conformación de recorridos y fugas visuales siempre distintas. Bajo esta configuración los talleres resultaron ser plantas en “U” de aproximadamente 70 y 80m2 cada uno siempre orientados al norte. 

En el eje central de composición se situaron edificios como la galería y el aula magna que es el único volumen que se encuentra en un segundo nivel y que se levanta para dar lugar a un espacio multiusos, como cafetería informal o bien extensión en exterior del área de galería que abre sus ventanales en sentido norte y sur de manera más pública. El aula magna se soporta por una serie de cartelas de concreto aparente que a su vez enmarcan las visuales que se detonan desde la cafetería. 

El sistema constructivo en sí mismo es sustentable por ser tierra compactada con un porcentaje mínimo de cemento (15%). Los muros son autoportantes (60 y 70 cms. de espesor) condición que permite que no estén armados, optimizando así el uso del acero. Las losas se apoyan simplemente sobre los muros nuevamente evitando armados.

Un muro de tierra compactada bien construido no se ve afectado por lluvia, viento, fuego ni termitas y sin embargo es muy poco agresivo al medio ambiente ya que se considera es un sistema constructivo con energía incorporada. El talud se realizó con tierra reciclada de una obra de una planta de tratamiento que se estaba desarrollando al mismo tiempo y la condición espacial y topográfica del sitio se modificó radicalmente. 

Toda la iluminación propuesta es luz fluorescente a excepción de la iluminación de la galería que tiene acentos con halógenas. Conceptualmente la iluminación de los exteriores se diseño para que los mismos talleres fueran grandes lámparas lumínicas que impregnaran el espacio exterior en las fachadas norte y a sur se colocaron lámparas de bajo consumo para la optimización de energía. Se decidió que todos los exteriores fueran permeables para no cegar el terreno pero se colocaron tubos de pvc perforados que en caso de una llovizna fuerte conduzcan el agua a un cárcamo y se reutilice para baños. A esto sumamos la captación de agua de lluvia de las azoteas y su recuperación en una cisterna de 100,000.00 litros, para su posterior reutilización en baños, garantizando el abasto de este líquido durante todo el año. También se colocaron fosas sépticas que permiten al finalizar el ciclo de oxidación de las aguas negras, mantener húmedas ciertas áreas de jardín.

La escuela no cuenta con un sistema de aire acondicionado ya que a pesar del clima extremoso de la ciudad de Oaxaca el sistema constructivo de tierra compactado por su densidad y dimensiones absorbe el calor para mantener los espacios interiores frescos y en las noches frías unos interiores confortables, ayudados también con los vanos de los costados con proporciones muy esbeltas, condición que violenta el viento para que saque de manera adecuada el aire caliente por los grandes ventanales del norte. Por último la orientación de todos los talleres al norte, dota de una excelente calidad lumínica, óptima para el arte, protegiendo las piezas de los rayos del sol y del calor que estos provocan. Se proyectó un jardín de la mano del edificio buscando crear espacios de trabajo rodeados de vegetación, habitables por el microclima generado, y sin duda un pulmón verde más para la ciudad de Oaxaca. 

La principal innovación y aporte de esta obra es la utilización de la tierra de la zona para la edificación de muros hechos a base de tierra compactada, los cuales por sus secciones no requieren ningún tipo de armado al interior del muro y por su modo de ejecución el cual se basa en la compactación de capas de 20cms de tierra crean un elemento monolítico, en el cual se aprecian claramente el sistema y haciendo de estos el componente visual principal en el muro, permitiendo la apreciación de las tonalidades de la tierra y dando una lectura contemporánea. 

La tierra compactada es sin duda un sistema usado desde hace miles de años sin embargo el uso de la misma en un edificio de carácter institucional y sobretodo educativo, de esta escala, aporta una nueva forma de interpretar sus usos. Las condiciones climáticas, acústicas y espaciales que este sistema da a la escuela le permiten un importantísimo ahorro energético a largo plazo. Por otro lado la importancia de desarrollar un sistema que por un lado fuera aparente para evitar el mantenimiento constante en un edificio institucional pero que al mismo tiempo fuera flexible en todos los sentidos para ser ocupado por artistas quedó solucionado con la decisión de mantener las soleras de los moños de la cimbra sin necesidad de dañar el acabado final dotando además al edificio de una mutabilidad a lo largo del día gracias a las sombras y a las posibles intervenciones efímeras a realizarse. 

En el caso de los talleres la separación y expresión clara de los dos materiales usados para su construcción (tierra y concreto) llevado al extremo en el aula magna, donde con elementos estructurales muy esbeltos y entendiendo las condicionantes sísmicas de la ciudad de Oaxaca se logra elevar el elemento de tierra del piso en un diálogo con la plástica del conjunto en la creación de enmarques y fugas visuales, conformando así un espacio bajo de ella de sombra y luz dramáticas dispuesta al uso de espacio de expresión o convivencia. De esta manera con cartelas de 1.80x20cms de dimensión dispuestas en uno y otro sentido se desprenden el peso del piso creando una imagen espectacular por sus características tectónicas. Por último la recuperación del espacio exterior como un lugar de trabajo construyendo formalmente 2270m2 pero creando lugares habitables en 7440 m2.

EspacioCasa 2009 celebra el diseño, la decoración y el interiorismo, que en el último período ha experimentado grandes avances de la mano de una nueva generación con propuestas innovadoras. En este evento se proyectan instalaciones a cargo de los profesionales que a continuación destacamos y que han contribuido en forma importanteal desarrollo de estos campos. Consultamos sobre las imágenes que pesan en el repertorio del pasado, presente y futuro en cada uno de los exponentes.

MONITO

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

En Monito somos muy asiduos a ver cine, lo que ha marcado ampliamente nuestro modo de ver el diseño. Nuestras influencias se encuentran a modo de ejemplo en las ambientaciones de películas como El Resplandor y La Naranja Mecánica, de Stanley Kubrik, y también en íconos de la publicidad, la moda y de la cultura popular. A partir de ahí nuestra propuesta de diseño responde a la cultura popular actual y varía según las tendencias que están en boga en cada momento. Un ejemplo de ello es ahora el conflicto ambiental. El diseño cobra protagonismo a partir de que los profesionales comenzamos a utilizar materiales amigables con el medio ambiente. De esta forma el diseño es una corriente inserta en lo social que responde a las inquietudes sociales.

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en las propuestas de diseño? 

Hoy en día miramos mucho a nuestros pares en Europa, el trabajo que hace Philippe Starck, sus objetos y ambientaciones,  Karim Rashid, Marc Newson, Jaime Hayon, Los Hermanos Campana o arquitectos como Toyo Ito. 

Además buscamos inspiración en objetos de artesanía, de los cuales hemos realizado algunos rediseños desde la perspectiva Monito. 

Tratamos de simplificar formas y resaltar elementos del diseño más olvidados, por ejemplo, enfatizamos en nuestro diseño las patas de un mueble o de un objeto de cerámica. La idea es siempre estar en un continuo proceso de innovación, dando una vuelta de tuerca a lo ya visto. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él?

Creemos que a futuro nuestro sueño es buscar una forma productiva capaz de ajustarse a las necesidades del cliente, que sea personalizado y a un precio accesible, de este modo entrar a competir con otros mercados de diseño internacionales desde el ingenio latinoamericano, afrontar que dado los problemas medioambientales, se está encareciendo el precio de los servicios básicos y los alimentos, suponiendo que la curva seguirá al alza, tenemos que responder a seguir viviendo en un medio diseñado pero asumiendo las alzas de los servicios básicos.

El diseño no debe quedarse atrás en esta realidad.

MADE IN MIMBRE 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Mi experiencia en trabajos desarrollados en la oficina de arquitectura FearonHay en Nueva Zelanda, y a través de proyectos de arquitectura y proyectos de interiorismo en Australia, NYork y NZ. www.fearonhay.com 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

En objetos, las referencias son el diseñador español Jaime Hayon por el rescate y revalorización de la cerámica tradicional a objetos contemporáneos, y el diseñador ingles Tom Dixon por el tratamiento y aplicación honesta del material en el diseño del objeto. 

En ambiente, el arquitecto Peter Zumthor porque la utilización del material es fundamental para la expresión del espacio arquitectónico. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

En arquitectura, que los ambientes se caractericen por ser neutrales y atemporales, y los objetos pasen a ser protagonistas. Los objetos articulan o arman el espacio creando situaciones y definiendo actividades. 

A futuro nos gustaría ver objetos acordes a su tiempo y un mayor desarrollo de la fabricación industrial en Chile.

En el tema de ambientes, creemos que es importante un redescubrimiento de barrios y ambientes de Santiago, los cuales poseen una gran carga en diseño que ayudan a descifrar y conforman una identidad nacional. 

Su valoración nos permitirá por fin dejar de mirar hacia fuera. 

BRAVO!

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en el desarrollo como profesionales de bravo!? 

Más que objetos o ambientes particulares, hay una constante fijación en la carpintería tradicional y sus procesos, como así también nuestras materias primas, sobretodo la madera. Esto hace que inevitablemente nuestros productos recojan ese sello. Sumado a lo anterior, personalmente siempre me ha llamado la atención el diseño Escandinavo, en donde el trabajo y el proceso de las materias primas y sobretodo la madera ha sido muy desarrollado y aprovechado en diversos contextos, más allá del diseño de mobiliario. Creo que son dos influencias fundamentales en nuestro trabajo.

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en las propuestas de diseño? 

Siempre nuestros objetos y proyectos persiguen la simpleza y funcionalidad como elementos centrales en nuestro trabajo, por otro lado el trabajo de materialidades nobles junto con la combinación de las nuevas tecnologías también son parte importante en todo lo que hacemos. De esa combinación, inevitablemente como resultado obtenemos una plástica o estética particular, la cual se hace presente en todos nuestros trabajos. No nos preocupa el tema estético como un problema de primera línea, sino que lo vemos mas como una resultante de las variables combinadas. Dentro del desarrollo tecnológico que permanente desarrollamos, se destaca la incorporación de gráfica a la superficie de los muebles, esto mediante el desarrollo de una técnica similar a la serigrafía que hemos logrado desarrollar y adaptar durante el tiempo. 

Nuestro tema central ha sido el mobiliario, por lo que siempre es éste el elemento el que funciona como hilo conductor de nuestros proyectos de arquitectura interior. Intentamos trabajar sobre una línea simple, austera y contemporánea, adaptando nuestra línea de trabajo según los requerimientos del cliente y del espacio que se esté trabajando. Por otro lado, en este momento nos encontramos trabajando en el desarrollo de una nueva línea de productos más pequeños, los cuales buscan complementar y habitar en los espacios donde nuestros muebles habitan. Son elementos más económicos, llamativos y con más sentido del humor. 

¿Cómo visualizan las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes les gustaría ver concretados en él? 

Creo que definitivamente el camino debe ir hacia el desarrollo de productos y proyectos en donde la variable de la sustentabilidad funcione como eje central en el trabajo de diseñadores y arquitectos. 

Este tema debiese ser tomado como un requerimiento más en toda la línea productiva, tanto en la elaboración y elección de las materias primas como en los procesos productivos de materiales y productos finales, y así también en envases y embalajes. Más que una tendencia, éste tema es una necesidad inmediata. 

CRISTOBAL ELGUETA 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Definitivamente el paisajismo de estilo natural que uno encuentra en jardines de Europa y Estados Unidos han sido muy inspiradores a lo largo de mi carrera profesional. En ellos es posible encontrar una tranquilidad para refugiarse de esta especie de vorágine en que se ha transformado nuestra vida moderna. El agua, plantas, flores y un mobiliario sutil, son detalles que rara vez pasan desapercibidos cuando uno contempla un buen diseño de jardín o parque. El jardín natural, con esa mezcla de perfecto y suelto ha sido definitivamente mi escuela y mi estilo, el que llevo desarrollando desde hace alrededor de 10 años. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

En primer lugar busco generar un espacio de paisaje con un material vegetal cuidadosamente seleccionado de tal forma de que podamos disfrutar nuestros jardines durante todo el año. La estacionalidad debe de ser bien marcada, con una buena cantidad de plantas que nos recuerden que nuestros inviernos son fríos, pero con algunas otras que nos alegren la vida cuando los días son grises y cortos. En segundo lugar incorporo el espacio que contiene el jardín, ya sea el paisaje natural o la arquitectura. Un buen diseño debe insertarse delicadamente en el ambiente que lo contiene, destacando la arquitectura del proyecto del cual es parte. Por último, un buen diseño debe ser sustentable en el tiempo y por tanto deberá incorporar tecnología y diseño de tal manera de reducir al mínimo toda clase de requerimientos de mantenimiento. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

La sustentabilidad es lo que viene o más bien lo que ya llegó. El paisajismo moderno debe incorporar la escasez de energía, el cambio climático, la escasez de agua, la falta de tiempo, además de ayudarnos en tareas de conservación  tanto de plantas como de animales propios de las zonas en las cuales el proyecto formará parte. A futuro quisiera participar de un gran proyecto de espacio público en el cual se incorporen todas estas tendencias, de tal forma de generar un paisajismo que cautive a los usuarios y al mismo tiempo nos ayude a entender y respetar las dinámicas propias de nuestro planeta. 

LUZ MENDEZ

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

De todas maneras mi infancia en el campo el contacto con la naturaleza, como las diferentes estaciones del año y vivir en un entorno rodeada de arte me marcaron mucho en mis comienzos creando espacios muy transparentes y luminosos siempre cerca de lo que emana la naturaleza. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Hoy sigue siendo la naturaleza mi consejera, selecciono materiales como la madera noble, la piedra, lanas naturales, los tonos de los cerros minerales, continúo apoyándome en el arte y es para mí de suma importancia crear un diseño sustentable, que se pueda reciclar y que permanezca. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

El diseño sustentable, ecológico, lograr la mejor reutilización de los materiales para lograr una mejor calidad de vida, dejar fuera los materiales que no son posibles de reutilizar, tomar materias primas naturales, lograr convocar mas diseñadores y arquitectos para continuar esta línea con el cuidado del medio ambiente y las percepciones del momento. Hacer de los materiales nobles algo muy atractivo. 

RODRIGO ALONSO

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Mi infancia marcó en gran medida todo mi desarrollo profesional. Los juguetes que más amé fueron aquellos que yo me hacía y también esa eterna sensación de libertad y espacio propio que me dieron mis padres, así como también  el espacio obtenido por ser hijo único. 

Objetos que me marcaron también: Lego, herramientas, blocks de dibujo, lápices de colores, pinceles y témperas.

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Lo básico, lo precario, lo imperfecto, los materiales y técnicas inesperadas. Todo aquello que tenemos en Latinoa mérica y en gran cantidad en Chile y con lo que muchas veces no se hace nada. Las posibilidades de nuestro lenguaje, de nuestra cultura son, cada día más, una fuente de inspiración para mí.

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Considero que las tendencias van a ser cada vez más coherentes y honestas. Van a existir más respuestas a cada necesidad real humana y más desapego por lo superfluo, banal o sin sentido. Aquellas cosas que solo existen “porque si” van a ser reemplazadas por aquellas que trascienden las fronteras de lo inmediato, de lo desechable y lo inútil. 

Me gustaría, por lo tanto, ver concretados muchos más proyectos en donde la claridad y propuestas coherentes muestren lo que nosotros como pueblo tenemos que decir al resto del mundo y, así, no solo repetir lo que los demás hacen, o comprar como niños engolosinados todo lo que venga de afuera. Tenemos una verdad y ya es tiempo de explotarla: La carencia, la falta de recursos, lo básico, los materiales crudos, la creatividad para hacer mucho, con poco. 

JUAN PABLO FUENTES

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

A pesar de no tener ninguna relación con mi estilo de diseño, el estilo “Imperio” impuesto por Napoleón, me genera un cambio total en mi apreciación del diseño, ya que Napoleón además de tomar el trono de Francia y de gran parte de Europa, se da cuenta que debe ser y dejar un impacto cultural, para realmente ser trascendente en el tiempo. Por eso reúne en una sola época y reinado lo mejor de todo los imperios, Alemán, Egipcio, Inglés incluso toques de la monarquía Española, dejando para sí y para el tiempo un imperio grandioso y con un legado en diseño incomparable. 

A modo de ejemplo, Napoleón en su época se dió el gusto de hacer una escenografía dentro de la catedral de Notre Dame, que es de estilo gótico. Este montaje fue hecho al igual que un set de televisión, pero hace un par de siglos atrás. Esto demuestra la preocupación de Napoleón por el diseño y su preocupación de tener un imperio digno de su altura monárquica. 

¿Qué objetos o ambientes marcan actualmente tu elección en las propuestas de diseño?

Sin duda, los Hermanos Bouroullec, Marcel Wanders, Alfredo Haberli y el trabajo de Nicolás Hernandez, marcan mi atención y son referente en mis diseños. Del trabajo de los Bouroullec, destaco su capacidad de hacer mucho con mínimas formas, un diseño elegante y muy atemporal. De Wanders, celebro su capacidad de moverse en el tiempo con distintos trabajos, para mí sería en la actualidad el decorador de Napoleón, este lleno de gracias, sorpresas, reminiscencias de otras épocas, tiene un trabajo de marketing personal impactante, al punto que la pagan un dineral por esculturas feas hechas en un minuto. De Haberli, destaco lo lúdico de su trabajo y lo fino de su obra, poco material para un gran resultado. Y de mi amigo Nicolás Hernandez, destaco lo profesional de su trabajo. Es uno de los pocos diseñadores chilenos profesional en todos sus ámbitos. 

Como les conté de mis preferencias y de mi admiración por Haberli, debo contarles como primicia que las bolsas de “Cómodo , tienda de Diseño del cual soy director creativo, han sido diseñadas por Alfredo Haberli en exclusivo para nuestra tienda y espero poder presentarlas en Espacio-Casa 2009. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él?

Hacia el futuro veo un Chile con más identidad, y no lo digo por el uso de maderas o cobre, si no porque se está generando una camada de creadores chilenos muy potentes, varios de ellos están exponiendo en CCPLM. Así que el futuro que veo yo es de un trabajo de cerebros chilenos, los cuales nos tomemos el país y el mundo con nuestra bandera. El ambiente que me gustaría ver concretado es aquel en que el gobierno y sobre todo el ministerio de cultura vean en el diseño una potente carta de imagen país, como lo son el diseño para Argentina, España o Holanda. Espero ver más que ambientes un rol preponderante del diseño en todo lo relacionado con el gasto público, así como en la Arquitectura. Cada obra pública debe pasar por la mano de un diseñador nacional. Quiero un Chile preocupado de trascender con espacios públicos donde el diseño ayude o contribuya a una mejor calidad de vida. 

MARIA JOSE DEL RIO

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Los parques de las grandes casonas de campo de antaño, en que me tocó vivir y que de un modo importante me marcaron la forma de ver las cosas. Estos parques tenían tanto encanto, recorridos, lugares donde esconderse, llorar, contarse secretos. Siempre rodeados de grandes macizos de flores y arbustos con colores en inimaginables gamas. Los olores de jazmines, diamelos y tantas flores con aromas de esas épocas, juegos de niños libres, y cuántos amores ahí nacieron??? Los grandes árboles con sombras que te refrescaban en los veranos y te sorprendían en los otoños, con sus rojos, amarillos y naranjos. 

Por otro lado, también quedaron grabados en mi memoria esos grandes potreros de trigales, verdes en invierno y oro en la época cosechas, los inolvidables fardos que iban quedando tras la trilladora. Nuestros maravillosos ríos, cerros, cordillera y desierto… La verdad es que estamos llenos de fuentes de inspiración en todo los que nos rodea en el presente y tendremos que lograrlo con lo que nos rodeará mañana y eso si que dependerá de nosotros!!! 

¿Qué objetos o ambientes marcan actualmente tu elección en las propuestas de diseño?

Trato de aprovechar los elementos que te entrega la naturaleza como por ejemplo: lo vegetal, mineral, lo inerte, el agua, etc. 

También me gusta incluir algunos elementos manufacturados como el fierro, aluminio, espejos y concreto, entre otros. Estos son útiles, no sólo para agregar elementos modernos, sino que también para optimizar espacios que no siempre te permiten recurrir libremente a las clásicas herramientas de paisajismo. 

Con respectos a los ambientes, siempre va a depender del proyecto que te toque enfrentar; lo solicitado por el cliente, el uso que tendrá, su ubicación, entorno y nunca olvidando los recursos con los que se cuenta. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados a futuro?

Las tendencias hacia el futuro las veo relacionadas con un desarrollo más profundo por lo estético, el uso del color, manejo del sonido, lo práctico, lo auto sustentable, lo vegetal y mucho arte. En relación a los espacios a trabajar, me gustaría orientar mi trabajo a crear nuevas áreas urbanas, más lúdicas, donde te encuentres con el arte en todas sus expresiones, y sin dejar nunca de lado las infaltables áreas para el desarrollo de actividades deportivas y culturales . Respecto a los ambientes privados, dependerá de las necesidades de cada cliente. Los elementos a considerar son muchos, y parte importante de la labor del paisajista es poder identificarlos, para poder entregar lo que el cliente busca. 

HUGO GRISANTI 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Los diseñadores de los años 30 y 40 como Eero Saarnien, y Alvar Aalto, siempre me ha llamado mucho la atención lo visionarios en cuanto al diseño que fueron, y el nivel de innovación en el uso de formas y materiales. 

Las estéticas de películas como Barbarella en los años 60 y los espacios creados por Verner Panton, genios del diseño. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Como objetos, los diseños de Marcel Wanders me sorprenden, su uso de la escala y la forma de trabajar las formas me alucina. Lo mismo con Tom Dixon, considero que ha tenido una carrera excelente en muy poco tiempo. En cuanto al uso del color, siempre he tenido como referente a la diseñadora Inglesa Tricia Guild, su forma de mezclar las paletas más dramáticas generando espacios cálidos y tranquilos. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Creo que la principal tendencia va a seguir siendo la creación de espacios funcionales e inteligentes. Los espacios domésticos y comerciales han tenido una evolución bastante marcada en los últimos tiempos, ya no solo se necesita que sean cómodos y estéticos, ahora y en un futuro cercano, se exige que estos sean prácticos, aprovechen y den soluciones a espacios más pequeños, y se adapten a la nueva forma de vivir los espacios. Creo que cada vez se hace más importante la utilización de materiales con tecnologías avanzadas, para mantener y nivelar temperaturas, aislar los espacios, iluminar de manera eficiente, etc. 

Cada vez nos vemos enfrentados a trabajar e investigar sobre nuevos desarrollos tecnológicos, que nos hagan tener una mejor calidad de vida y hacer conciencia sobre cómo estamos haciéndonos cargo del cuidado del medioambiente. 

ADORODISEÑO 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional?

Los objetos del pasado que marcan las preferencias estéticas en nuestro desarrollo como profesionales son ciertos iconos del diseño como los sillones de Le Corbusier LC1 y LC2 por sus líneas rectas y sus materialidades tan elegantes como el cuero con el metal cromado brillante, al igual que la silla Wassily de Breuer. En el caso de la Panton Chair, rescatamos su perfil por sus líneas rectas y diagonales. 

Pero para nosotras nuestro gran referente del pasado es la Coco Chanel, ya que eliminó la moda recargada que imperaba en aquella época, diseñando prendas muy sencillas y cómodas, de líneas rectas pero con un toque de alta distinción. Finalmente es a lo que aspiramos diseñando mobiliario sencillo y funcional, de líneas rectas pero con pequeños toques que nos distinguen poco a poco. Y por el lado de períodos del diseño y la arquitectura nos marcaron épocas como la Bauhaus, claramente por su simplicidad y movimientos, y el internacional Style por su geometría volumétrica. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en las propuestas de diseño? 

Actualmente nos marcan más los proyectos como el edificio Prada en Tokio, Japón de Herzog & De Meuron por sus cortes facetados en cristal que logran reflejar la ciudad a modo de espejos, que es una materialidad que nosotras utilizamos para ciertos toques en nuestro mobiliario. O bien Arquitectura como la de Shigeru Ban con su casa sin paredes por la simpleza. En cuanto a diseño el glamour de Starck, el estilo de las firmas Moooi y RocheBobois también por su elegancia. Y finalmente Jaime Jayon por sus lacados brillantes y Feruccio Laviani por la simplicidad de sus formas, materialidades brillantes y retro iluminaciones. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados a futuro? 

Las tendencias a futuro las vemos por un lado volviendo al Internacional Style y Bauhaus por la línea recta, de lo simple lograr algo complejo y muy útil, pero claramente lo orgánico y la curva se imponen en objetos más pequeños y tecnológicos. 

Con respecto a los ambientes, nos gustaría ver concretados espacios simples, limpios y puros en donde todo se utiliza y todo es útil no porque sí. Y de esta forma el espacio se integre a las personas y no las personas al espacio. 

SIEN ESTUDIO

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Tenemos muchas influencias en Sienestudio, desde la Bauhaus con Marcel Breuer, Le Corbusier y todos los que pertenecieron a este movimiento. También observamos a muchos arquitectos como Toyo–Ito, quien diseña unas texturas orgánicas y simples en sus obras de gran valor estético y espacial. De las generaciones nuevas de diseñadores nos gusta mucho lo que hace Ora-Ito, quien desarrolla conceptos muy interesantes con un estilo bien vanguardista y futurista. En realidad nos atraen muchos diseñadores y empresas, de todos extraemos imágenes como formas, texturas, materiales, estéticas, usos y procesos. 

En Sien tenemos un estilo claro, pero siempre estamos visualizando lo nuevo y lo que viene para diseñar y por poner nuevos productos.  

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en las propuestas de diseño? 

Nos gusta la simplicidad y las geometrías puras, todo diseño o espacio que posea estos conceptos nos atrae como influencia para nuevos proyectos los cuales vinculamos con nuevas materialidades y sus distintas formas de aplicación. En realidad no tenemos un icono definido, pero si diseños que nos han marcado como estudio. En este momento estamos en un proceso interno de diseño, desarrollando productos nuevos y versiones antiguas actualizadas, donde no miramos mucho hacia afuera sino más bien dentro del núcleo de Sien, para así diseñar productos de líneas únicas. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Creemos que el futuro del diseño está en la interacción entre las personas con objetos y espacios. Desde ahí los productos deberán significar más de lo que representan actualmente, proyectándose más allá de lo funcional, estético y material. Deberán ser emocionales, interactivos y tecnológicos, de un modo que acojan y relacionen las nuevas prácticas humanas que iremos desarrollando. 

VERONICA ROMERO 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Mi primera infancia en el Sur de Chile me impregnó para siempre del placer por la naturaleza. Los bosques y el silencio, el aroma después de la lluvia, el sonido de las piedras en la orilla del lago Villarrica junto al cual creaba mundos en miniatura con estas, más las semillas, ramas y todo lo que recolectaba.

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Puede ser indistintamente recrear una fusión con el paisaje circundante o una prolongación de la arquitectura, siempre utilizando un lenguaje coherente con lo existente ya sea con los materiales, texturas o gamas de color. Dentro de estos parámetros trataré siempre de generar una trama en la que primen los materiales nobles, naturales y de baja mantención, con un trazado fuerte y definido que trascienda y a la vez se amalgame con la plantación. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Me parece que el paisajismo actual avanza hacia dos conceptos claves: Sustentabilidad y Espacios Conceptuales, con planteamientos de diseño muy definidos. 

En los espacios públicos quisiera ver que se eleven los estándares de nuestras políticas reguladoras, ya sean parques, plazas o espacios verdes “cedidos” obligadamente a la comunidad como consecuencia de los distintos desarrollos Inmobiliarios, y que las personas responsables de crear ciudad tomemos conciencia de la tremenda responsabilidad que esto implica. Que la conciencia individual y los intereses económicos sean regulados a través de reglamentaciones donde nos veamos todos los responsables obligados a mejorar los estándares de calidad tanto en el diseño como en la calidad y nobleza de los materiales elegidos, logrando espacios que perduren en el tiempo y no soluciones momentáneas y de baja calidad para cumplir un trámite. 

Quisiera ver también la incorporación de mobiliario urbano e iluminación más vanguardista, de alta calidad y que se incorpore cada vez más el trabajo de distintos artistas plásticos en las áreas verdes públicas. 

En los jardines privados creo que la tendencia es valorarlos cada vez más, ya no como un mero marco o entorno, sino como un espacio intermedio con diversos usos prácticos. 

ENZO CRIADO

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Para responder a esta pregunta necesariamente debo efectuar un ejercicio de rememoración. Es en la infancia donde está la materia prima de toda elaboración posterior. Está por lo tanto el recuerdo de la calidez de mi hogar. Son esos ambientes, esa interrelación emotiva con personas y objetos los que marcaron preferencias en mi desarrollo profesional. En colores, el blanco tiene huellas interesantes. En ambientes, muchos recuerdos de arenas y playas… de espacios abiertos. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño?

Me gusta mucho viajar. Mis propuestas de diseño tratan de acoger distintas proposiciones en distintos lugares.

Creo que el traslado de imágenes de la Naturaleza, son de absoluta importancia en mis conceptos de diseño.

Esto realmente lo considero un desafío, por lo tanto la idea de “Volver a la Naturaleza con toda la Tecnología” es un motivo central. Creo en conceptos de diseños cálidos y funcionales. La vida en las ciudades tiene como desventaja un sesgo de hacinamiento. Una propuesta de diseño inteligente, consciente, debe necesariamente compensar esas sensaciones. Mis objetivos y ambientes van actualmente en una dirección de arquitectura y diseño muy vinculados a la Naturaleza.

 Somos sus hijos, no podemos olvidar las raíces. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Veo múltiples tendencias hacia el futuro. Veo muchos trabajos interesantes que emergen como desafíos. El Diseño y la Arquitectura van a jugar un importante rol en la solución de los problemas de un modernismo desmedido. Visualizo un retorno a los conceptos de diseño simple y armónico, de la mano con la tecnología de última generación. 

En mi caso particular estoy trabajando en ambientes “outdoor”, en aquellos espacios necesarios para soltar tensiones. El “Quincho-Domo” es un trozo de futuro concretado ahora.

Para finalizar me remito a una idea expresada anteriormente… La vida en las ciudades tiene un sesgo de hacinamiento. Creo que es necesario en un futuro inmediato, en lo que a Diseño y Arquitectura se refiere, una exploración sobre este tema que defina tendencias y entregue soluciones. 

gt_2p 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

En general, debido a nuestra formación, las cosas que marcan nuestras preferencias vienen desde la arquitectura y la tecnología digital. Si bien el uso de software de modelamiento digital y representación se asocia a una estética en particular, lo más relevante ha sido el uso de estas herramientas en cuanto a sus posibilidades como instrumento proyectual y de generación formal. Ahora bien, que eso derive en una estética homologable al trabajo de otros arquitectos que uno revisaba, por ejemplo unstudio, office da, asymptote, resulta secundario, lo relevante era el proceso del instrumento de modelado para la resolución integral de un proyecto. 

¿Qué objetos o ambientes marcan actualmente tu elección en las propuestas de diseño? 

Más que los objetos o las ambientes, lo importante hoy resulta ser el proceso, y si en algo estamos enfocados dentro de ese proceso es el diseño a partir de conocimiento. Por lo tanto, nuestras propuestas están enmarcadas dentro del área que define a nuestro equipo, que es el diseño y la fabricación digital, entendiendo que este permite captar las emergencias presentes en los proyectos y hacer converger dentro de él, todos los conocimientos asociados al problema que estamos abordando. Al ver las cosas desde esta perspectiva y aún cuando estamos al tanto de lo que se diseña a nuestro alrededor, los objetos y ambientes que observamos nos permiten revisar el proceso de trabajo más que definir una propuesta a priori. En síntesis, nos marcan más los procesos llevados por otros diseñadores y sus instrumentos, que sus productos. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Lo que vemos a futuro es principalmente la personalización masiva de los proyectos, en la cual el diseño paramétrico resulta ser el instrumento más eficaz para resolver un problema de un modo integral. 

Es decir, permitiendo controlar desde la definición del problema y el encargo hasta su implementación, dentro de un solo ciclo de vida. 

Acerca de los objetos y ambientes que pudieran existir, nos gustaría ver la existencia de procesos que sean capaces de hacer desde un rascacielos hasta una mesa. 

CLAUDIO ROJAS CRP 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Son muchos los objetos y ambientes que marcaron mi desarrollo profesional, si me tuviera que decidir por algunos sería entre los diseñadores Jean Prouvé, Charles and Ray Eames y Fernando y Humberto Campana. 

Entre los objetos selecciono la Mesa Variante Guéridon Café 1941-1942, la Silla N° 41935, Case Goods 1946 y Celia Chair 2003. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

No tengo una imagen preconcebida en mi cabeza; entonces, siempre trato de entender lo que el proyecto quiere ser y desde ahí tomar decisiones en cuanto a cómo quiero que el espacio luzca o cual es el carácter que éste quiere tener. 

Siento un gran interés y afinidad con los diseñadores turcos Autoban. La forma de ver y hacer la arquitectura desde el diseño interior me parece muy contemporánea. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Me gustaría referirme a nuestro país; creo que en estos últimos años nos hemos desarrollado un poco en cuanto a diseño de producción nacional. Esto me parece la mayor tendencia a futuro, el desarrollo y expansión de una industria de diseño nacional potente, la cual genere una mayor mano de obra especializada en los distintos rubros y un desarrollo de un mercado heterogéneo y con identidad. Con esto último tener un circuito de ferias a lo largo de todo nuestro país que potencie y genere polos de desarrollo fuera de Santiago, produciendo productos de alta calidad. 

OOFELIA

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

En mi formación como arquitecto la naturaleza siempre ha sido una fuente de inspiración y por lo tanto el diseño y la arquitectura que la evocan, además del espíritu impertinente de los que han desafiado los estándares estéticos de sus épocas.

Por ejemplo las intervenciones arquitectónicas del artista Hundertwasser como la Waldspirale en Darmstadt siempre me alegran por su falta de seriedad, irreverencia y expresividad… me parecen geniales. Por otro lado siempre sentí envidia al ver las increíbles distorsiones visuales de Frank Gehry como la Casa Danzante de Praga y como también por su mobiliario de cartón. 

Tampoco podía quitarle el ojo al interior del Palacio Güell y a toda la obra de Gaudí, donde todo está diseñado como un conjunto armónico con formas orgánicas que abarcan hasta los detalles más pequeños. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Los diseños de la oficia Doshi Levien donde se percibe una fuerte influencia india, cada uno de ellos con lúdicas y entretenidas formas como la línea de sillones para Moroso. 

La creatividad infinita de Philippe Starck que mezcla diferentes estilos, colores y objetos con perfecta armonía para lograr alucinantes y estimulantes ambientes, como el del Restaurante Bon en Rusia o el Le Lan en China, por decir algunos. 

Hayon Studio de Jaime Hayon, todo es una inspiración desde sus decoraciones para tiendas hasta las figuritas de porcelana, donde todo parece venir de un universo paralelo. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él?

El minimalismo y las cajitas de la arquitectura moderna nos parecen un poco aburridas y carentes de espíritu, sentimos que los objetos y espacios deben ser cada vez más personales y menos graves, o sea más expresivos, auténticos y atrevidos. Y en ese sentido la arquitectura le está pidiendo cada vez más recursos al diseño. 

Siguiendo esa tendencia nos gustaría ver una revolución total en el diseño de los espacios públicos en Chile, donde se acabe el cemento con hoyitos para los árboles o las lindas líneas de pasto y vereda. 

Soñamos con que cada espacio sea un lugar de encuentro tanto para sus habitantes como para los arquitectos, diseñadores y artistas que las proyecten como lugares amables y divertidos para habitar y disfrutar de la ciudad. 

El diseño debe cambiar de escala y salir a la calle en apoyo de la arquitectura. 

NICOLAS HERNANDEZ 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Dieter Rams y su trabajo en Braun y Vitsoe , para mí el comienzo total de nuestra carrera, cumpliendo con todos los objetivos que esta ofrece. El trabajo de Eames para Vitra es emocionante, la única vez que lloré por ver una silla fue en el Salón del Mueble de Milán el 2006 en el salón de Vitra, es ridículo pero que le voy a hacer.  

Para mí la trayectoria de Alberto Meda y todo lo que hizo por Kartell es increíble o Jorge Pensi con la silla Toledo son diseñadores que han cumplido con todos los objetivos que considero imprescindibles en un diseñador.  

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Muchos objetos, muchos espacios pero más que eso la filosofía “Super normal” de Naoto Fukasawa y Jasper Morrison. Primero encontré una coincidencia en los criterios que ellos plantean a la hora de diseñar y luego al estudiarlos considero que al igual que ellos es muy importante ser consecuente y responsable a la hora de diseñar, ya que lo que hacemos repercute directamente en el estado de ánimo y la productividad de las personas. “Lo que busco no lo voy a encontrar en una hoja de papel blanca, está en la calle, en la observación” Jasper Morrison, “Everything but the walls”. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Según yo el diseño no tiene nada que ver con tendencias. Mi sueño es llegar a diseñar productos excelentes con una obsolescencia ínfima y que generen en los usuarios un sentimiento especial por ellos, que trascienda a modas y tendencias, me gustaría que el Titanio, la fibra de Carbono y el Kevlar se transformaran en commodities, y que en nuestras casas, oficinas y espacios en general podamos en un futuros disfrutar de productos diseñados en estos materiales increíbles. 

JULIO MATURANA 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Me marcaron los ambientes con carácter teatral de gran jerarquía y fundamentalmente acogedores, con estilos clásicos ingleses y franceses. Sin duda tuve una gran influencia a través de la familia de mi padre, ya que pertenece en línea directa a la familia Vergara, fundadora de Viña del Mar, cuyo palacio conocido por todos es más que espectacular. Desde niño estuve rodeado de elementos decorativos importantes, mi padre fue decorador, llegando a ser uno de los más importantes y con mayor trayectoria en Chile. Creo que estas cosas sin duda marcaron mi estilo. Un lugar en que siempre me inspiro es la fastuosidad de la época imperial rusa. 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

Los objetos contemporáneos que forman un ambiente ecléctico, armónico y muy cálido, pero fundamentalmente visibles y atemporales. 

El concepto de familia es muy importante al proyectar una decoración, el ambiente debe ser creado para que la familia goce de confort y sofisticación que invite a no salir de su casa, al igual que los ambientes monopersonales, en esta época cada vez más comunes, sobre todo dentro de la gente joven y no tanto. Las diversas propuestas tienen que tener el mismo espíritu. 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

La tecnología es fundamental en las actuales decoraciones, haciendo más funcionales y prácticos los ambientes, basta ver la variedad de nuevos tapices, cortinajes, iluminación, pisos y revestimientos en general, al servicio de un mayor confort y estética, indispensable en la actualidad. El diseño es fundamental en todo elemento decorativo actual, la creatividad es básica ya que en el mundo que se vive los cambios son tan rápidos que las tendencias en un muy corto plazo van quedando atrás. 

Se hace imprescindible entonces estar innovando día a día nuevas alternativas, intentando hacerlas más atemporales que la época en que han sido creadas, es la forma de sustentarlas en el tiempo y transformarlas en un clásico. 

MACARENA MATURANA 

¿Qué objetos o ambientes en el pasado marcaron las preferencias estéticas en tu desarrollo como profesional? 

Sin duda, los objetos rústicos, antiguos y viejos en el jardín. Los durmientes y ladrillos usados, en los que se nota que ha pasado el tiempo; los adoquines con musgo, las esculturas olvidadas al medio de un macizo. 

Me gusta rescatar ese “olvido” en el jardín.
Siempre me han gustado las especies añosas, los árboles grandes que denotan el tiempo y marcan los ambientes.

Recuerdo que cuando niña mi mejor panorama era ir al Jardín Suizo de Valparaíso, ¡podía estar días enteros!, ahí se reunían todas las condiciones para congelar el tiempo y vivir sólo ese momento: caminar por las escalas señoriales entre helechos enormes, mirar las esculturas llenas de musgo, perdidas en macizos enormes… 

¿Qué objetos o ambientes definen actualmente las elecciones en tus propuestas de diseño? 

En el tiempo me he dado cuenta de la importancia del agua en el jardín en todo sentido; tanto en su cuidado a través de especies adecuadas al clima/lugar- como en la contemplación de esta. 

Creo que el hecho de tener un espacio por pequeño que sea, en donde exista agua, cambia la percepción del ambiente de una manera increíble. Hay que atreverse a emplear el agua como “objeto” de decoración en el jardín, a través de espejos o estanques; la sensación de tranquilidad que aporta es incomparable, y lo más importante, a mi parecer, es como a través de estos elementos creas ambientes dentro de uno ya establecido; atraes a los pájaros, creas reflejos que cambian con la luz del día…todo un aporte! 

¿Según tu interpretación como visualizas las tendencias hacia el futuro y que objetos y ambientes te gustaría ver concretados en él? 

Ojalá que cada vez se tome más conciencia del uso de nuestra flora nativa; espero que no sea sólo una moda y que se convierta una tendencia establecida. 

Sobre ambientes a futuro…me fascinaría que las áreas verdes públicas se manejaran bien de una vez por todas, para crear lugares de uso real. Hay un nicho vacío en lo que respecta a viviendas sociales y espacios municipales.

Esperemos que a futuro podamos sacar buenos ejemplos de ellos.

Pierini Partners es uno de los estudios de packaging más reconocidos de la región, su director Adrián Pierini posee una amplia experiencia en el diseño de marcas cerveceras y nos habla a través de este artículo de las problemáticas inherentes a esta categoría poniendo foco en la creación de sus logotipos.
Adrian Pierini

Las marcas sean corporativas o masivas tienen varios puntos en común: ambas deben ser memorables, capaces de organizar, pregnantes e identificadores, sin embargo las marcas cerveceras deben discrepar en lo relacionado a síntesis. Muchos dirán que existen marcas Premium dentro de la categoría cuya estética es minimalista y su       iconografía es simple y directa, pero no estamos hablando de un mercado de nicho. 

A diferencia de lo que sucede con el mundo de las gaseosas cuyo target es joven e informal y sus recursos gráficos están a tono con él, la categoría cervecera juega dentro de un delicado punto de equilibrio en donde, si bien la juventud abarca una franja importante de consumidores, su estética básica (marca y packaging) no busca alinearse a esos códigos ya que sería ir en contra de una percepción obtenida tras siglos de tradición y ello, sin lugar a dudas podría llegar a afectar el imaginario de calidad y su reconocimiento en el punto de exhibición. 

Resignar todo un contenido plagado de medallas, antiguas recetas y mucha, mucha mística seria conducir al fracaso a una categoría cuyo valor radica precisamente en la promesa de un sabor, un cuerpo y un aroma especial obtenidos por una experiencia lograda con el correr del tiempo. 

Para ilustrar brevemente estos comentarios me incliné por el caso CERCA TUYO, una marca que identifica un programa de beneficios creado por Cervecería Quilmes para sus clientes. Diseñamos esta marca hace muy poco

tiempo y resulta interesante porque si bien no se trata de una cerveza, el nuevo isologo representa por un lado a una compañía (marca institucional) y por el otro a sus productos (marca de corte masivo) tornando más complejo el desafío. 

Frente a esta situación se debió partir del proceso básico que supone la creación de cualquier marca, es decir, se investigó el mercado, se fijaron objetivos concretos a transmitir y finalmente se comenzó el trabajo de diseño consistente en partir de formas básicas (en este caso el círculo) capaces de contener la tensión dentro de un solo punto.  El objetivo planteado era lograr una marca que funcionara también como icono y que transmitiera fundamentalmente pertenencia.  Quiénes vieran esta nueva identidad tendrían que sentir que hay una gran empresa detrás avalando el proyecto, que la misma posee años de tradición y por otro lado que los productos que fábrica son sinónimo de calidad y confiabilidad. 

Sería comprensible pensar que la denominación CERCA DE TI podría condicionar cualquier intento por crear una imagen clásica creíble, sin embargo, si nos ponemos del lado del comitente también suena lógica la intención de buscar una cercanía con su público, por lo tanto, los recursos visuales fueron especialmente escogidos para lograr unir lo coloquial y lo formal en un entorno cervecero. 

El concepto de solidez, seriedad y calidad revistió toda la imagen. Tipografías gestuales e ilustraciones informales fueron descartadas al igual que todo recurso capaz de generar confusión sobre la categoría a la cual pertenece el emisor del mensaje. Siendo fieles a las clásicas composiciones cerveceras, se partió de un eje central sobre el cual se dispusieron los distintos elementos de manera. La forma básica escogida contuvo las formas, las tipografías fueron distribuidas respetando la curvatura generada y las imágenes de vasos y espigas aportan calidad, dan una idea de diversidad en cuanto a productos y estrechan los lazos con el mundo cervecero. 

Un recurso fundamental resultó ser la tridimensionalidad, la cual no solo aumentó el impacto sino que quebró la bidimensionalidad y le aportó códigos propios de los “masivos” alejando la propuesta de la frialdad corporativa. Sus brillos y el color dorado contribuyeron a integrar imágenes en volumen con formas planas de modo óptimo dando por resultado un icono, que si bien no es sumamente sintético (no fue buscado de ese modo) si resultó apropiado para responder a los objetivos planteados. 

Los logotipos cerveceros son fiel reflejo del imaginario colectivo, su función comunicadora dentro de un espacio altamente polucionado (como resultan ser los centros masivos de venta) le obligan a poseer mucho más que una función identificadora, deben mostrarse sólidos, claros y por sobre todo destacables. El universo cervecero lleva tras de sí siglos de historia del cual no puede prescindir a la hora de comunicar sus atributos diferenciales si es que busca potenciar el imaginario de sabor, tradición y calidad. 

Marcas perimetrales como resulta ser CERCA TUYO son un buen ejemplo de esa realidad proyectual ya que se visten de contenido cervecero para que de ese modo su vínculo con la categoría sea más estrecho y la percepción por parte del destinatario sea absolutamente positiva tanto en lo emocional como desde la razón.